Mars 2023
Semaine 6 de Création
SUJET
SAVOIR DÉCEVOIR
L’ART PEUT-IL NOUS APPRENDRE À NE PAS NOUS CONFORMER ? À NE FAIRE NI COMME AVANT NI COMME PROMIS ? À DÉCEVOIR LES ATTENTES ET NOUS PERMETTRE D’INVENTER LIBREMENT NOS VIES ?
PRINCIPES
⇒ votre création pourra prendre la forme d’un film, d’une pièce de théâtre, d’une conférence, d’une exposition, d’une performance, ou une autre forme encore... elle pourra faire appel à tous les arts ou à un seul — voire aucun, c’est à votre choix, mais il sera essentiel que chaque dimension ajoutée à votre œuvre soit assumée avec une même exigence manifeste ;
⇒ vous œuvrerez en coopération (3 étudiant·e·s ensemble au minimum), mais chacun·e d’entre vous pourra participer à plusieurs créations et donc coopérer avec plusieurs groupes de personnes ;
⇒ pour votre création principale, vous ne vous associerez pas à des personnes avec lesquelles vous avez déjà plusieurs fois coopéré lors des semaines de création précédentes ;
⇒ sauf si la réalisation de l’œuvre l’imposera ou un moment de celle-ci le réclamera (ex : un tournage), le grand atelier de LFKs restera le lieu de rencontre pour les différentes équipes de fabrication des créations durant la semaine ;
⇒Les restitutions auront lieu en public le vendredi 23 mars 2023 en après-midi à la salle Seita de la Friche Belle de Mai, de 14:00 à 16:30.
DÉVELOPPEMENT DU SUJET
En art, le recours à une stratégie de déception encourage à penser différemment, à explorer de nouvelles idées et à remettre en question toutes les normes établies et les attentes nous concernant.
Comment l’art peut-il cela ?
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En nous exposant ou nous engageant à des formes qui sont radicalement différentes de ce à quoi nous sommes habitué·e·s, il nous apprend à voir et présenter les choses d'une manière nouvelle et à développer une plus grande ouverture d'esprit ;
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en nous incitant à explorer des idées qui sont considérées comme marginales ou controversées, il nous aide à développer notre propre individualité et à nous affranchir des pressions sociales qui nous poussent à nous conformer ;
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en nous aidant à développer notre propre voix créative, il peut nous permettre de devenir des agents de changement dans notre propre vie et dans le monde qui nous entoure.
Où cela nous conduit-il ?
Cela nous conduit à devenir les artistes de notre propre vie, de notre quotidien, à Faire sa vie
comme une œuvre.
Qu’est-ce que cela veut dire ?
Être l’artiste de sa propre vie, cela veut dire :
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apprendre à voir le monde sous un angle différent ;
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apprendre à s'exprimer de manière créative dans toutes les facettes de notre vie quotidienne ;
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remettre en question les normes et les attentes sociales ;
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explorer de nouvelles idées, de nouveaux domaines de l'expression personnelle ;
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prendre des risques, d'aller toujours vers l’insu ;
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développer notre propre voix créative.
Être l’artiste de sa propre vie ne nécessite pas nécessairement de talents artistiques spécifiques, mais plutôt une ouverture d'esprit et un désir d'expérimenter et de s'exprimer de manière créative dans tous les aspects de notre vie.
En fin de compte, être l’artiste de sa propre vie nous permet de vivre une vie plus authentique, plus libre et plus satisfaisante, qui nous implique davantage en nous aidant à développer notre propre identité et à devenir des agents de changement positif dans notre propre vie et dans le monde qui nous entoure.
Comment procéder ?
La stratégie de la déception
La déception en art est une stratégie créative qui vise à déjouer les attentes du public ou à rompre avec les normes et les conventions esthétiques et narratives établies. Elle peut prendre différentes formes telles que la provocation, la satire, l'ironie, la confusion, l'ambiguïté ou la subversion. En créant un écart entre ce que le public attend et ce qui est présenté, la déception peut susciter des émotions et des réactions fortes, remettre en question les normes esthétiques, mais plus largement les normes culturelles et sociales et les idées préconçues, proposer de nouvelles façons de penser et de percevoir le monde.
Nota Bene : La déception en art reste néanmoins une expérience subjective. Ce qui déçoit une époque peut être inspirant dans la suivante et même, plus ou moins rapidement, devenir une norme, qu'il s'agira ensuite de décevoir, etc.
Et il n'y a pas de formule fixe pour utiliser la déception comme stratégie créative en art : cela dépend toujours du contexte et de l’esprit public d’un temps et/ou d’un milieu.
L'aventure des formes contre l'empire des normes
En conduisant à inventer des formes, des techniques et des concepts inédits, Savoir décevoir stimule notre créativité et notre imagination et nous permet alors de développer de nouvelles perspectives et de nouvelles formes de vie.
En nous amenant à la création ou à la perception d’œuvres qui déçoivent les attentes et défient les conventions, la stratégie de la déception en art nous oblige à réfléchir sur notre propre comportement et à nous libérer de nos propres limites.
Cependant, la déception en art ne constitue pas une recette magique pour vivre librement et inventer nos vies ; elle peut nous inspirer et nous ouvrir des horizons, mais la liberté d'inventer nos vies est une question qui dépend de nombreux facteurs, tels que notre environnement social, culturel, économique, politique, personnel, etc. L'art peut nous aider à mieux comprendre autrement ces facteurs, mais il ne peut pas les changer directement. C'est à nous de prendre les décisions et les actions nécessaires pour vivre nos vies de manière créative et indépendante.
QUELQUES RÉFERENCES HISTORIQUES
Parmi les artistes connu·e·s ayant les premier·ère·s et chacun·e à leur manière utilisé la déception comme stratégie créative :
1.
Marcel Duchamp
Fontaine (1917)
Marcel Duchamp (1887-1968) est un artiste français célèbre pour avoir défié les attentes de l'art en présentant des objets ordinaires comme des œuvres d'art. En 1915, il invente le Ready Made, une technique qui consiste à transformer un objet quelconque du quotidien en œuvre d’art, et cela simplement en le décidant. L’influence de Marcel Duchamp est immense.
Pour en savoir plus:
Fontaine est un exemple emblématique et très célèbre de son travail : Marcel Duchamp a pris un urinoir en céramique, l'a signé avec un pseudonyme (R. Mutt) et l'a soumis en tant qu’œuvre d’art à une exposition (A Society of Independent Artists à New York en 1917). La Fontaine de Duchamp a d’abord été considérée comme une provocation scandaleuse, un affront aux conventions artistiques de l'époque.
Elle a suscité un puissant débat sur la définition de l'art et la question de savoir ce qui est considéré comme une œuvre d'art. Aujourd'hui, Fontaine est considérée comme une œuvre majeure de l'art moderne et est largement étudiée dans les écoles d'art et d'histoire de l'art.
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2.
Piero Manzoni
Merde d’artiste (1961)
Piero Manzoni (1938-1963) est un artiste italien mort avant ses 30 ans et qui a été très actif dans les années 1950 et au début des années 1960.
Merda d’artista. L'oeuvre consiste en 90 boîtes de conserve étiquetées "Merde d'artiste" et numérotées, qui contiendraient chacune environ 30 grammes de matière fécale de l'artiste. Dès leurs mise en boîte, Manzoni attribue lui-même l’équivalence valeur Or au poids de ces excréments (avec le temps, leurs valeurs sera mille fois celle de l’or). le La volonté de Manzoni était de créer un objet d'art qui défiait les conventions et les attentes de l'art contemporain, tout en remettant en question la notion de valeur dans l'art.
En exposant ces boîtes de conserve, Manzoni provoque les spectateurs et les confronte à leur propre conception de l'art. Cette œuvre peut être interprétée comme une critique de la marchandisation de l'art et de la valeur attribuée aux objets d'art en fonction de leur provenance et de leur histoire.
Bien que l'œuvre de Manzoni ait été largement décriée à l'époque, elle a influencé de nombreux artistes contemporains, qui ont repris son intention de détourner des objets du quotidien pour en faire des œuvres d'art. De nos jours, les boîtes de "Merde d'artiste" sont considérées comme des pièces historiques importantes dans l’apparition de l'art conceptuel.
Pour en savoir plus:
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3.
Yoko Ono
Cut Piece (1964)
Yoko Ono, artiste japonaise née en 1933, membre du mouvement Fluxus, a utilisé la performance pour créer des œuvres qui impliquent le public et remettent en question les limites entre l'art et la vie quotidienne.
Cut Piece. Le 20 juillet 1964, au Yamaichi Concert Hall à Kyoto, au Japon, Yoko Ono conçoit une performance où elle invite les spectateurs à couper des morceaux de ses vêtements avec des ciseaux. La performance a défié les attentes en proposant une interaction inattendue entre l'artiste et le public, et a suscité des questions sur le pouvoir, le consentement et la vulnérabilité.
Pour en savoir plus :
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Cut Piece est un pionnier de l'art de la performance et de l'œuvre participative. C'est par ailleurs l'une des œuvres les plus anciennes et les plus importantes du mouvement artistique féministe et de Fluxus.
4.
Actionnistes viennois
Günter Brus (1938 -)
Otto Muehl (1925 - 2013)
Hermann Nitsch (1938 - 2022)
Rudolf Schwarzkogler (1940 - 1969)
Uni Ferkelei (14 juin 1968) [“Saloperie universitaire”]
Rudolf Schwarzkogler - Aktionshose: Genitalpanik (1969)
Les actionnistes viennois étaient un groupe d'artistes autrichiens actifs dans les années 1960 et 1970, qui se sont engagés dans des performances provocatrices et controversées qui cherchaient souvent à choquer le public et à remettre en question les normes sociales. Leurs
performances étaient souvent extrêmement dérangeantes et ont suscité de vives réactions de la part du public et des critiques d'art.
Uni Ferkelei (14 juin 1968) [Saloperie universitaire]
La conférence "Uni Ferkelei" a été organisée par les étudiants en art Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch et Rudolf Schwarzkogler le 14 juin 1968 à l'Université de Vienne. Le nom "Uni Ferkelei" signifie "saloperie universitaire" en allemand, ce qui reflète l'opposition des étudiants à l'académisme et à la tradition artistique en vigueur à l'époque.
La conférence a été marquée par des performances artistiques provocatrices, telles que la distribution de tracts obscènes, des insultes proférées aux enseignants et aux étudiants, des gestes obscènes, etc. Les étudiants ont également utilisé des matières organiques comme de la viande crue, des os et du sang pour créer des installations artistiques choquantes.
La conférence a suscité un scandale et a entraîné l'expulsion des étudiants de l'université. Cependant, elle a également été le point de départ du mouvement des actionnistes viennois, qui a continué à produire des performances radicales et controversées jusqu'à la fin des années 1970. Ils ont influencé de nombreux artistes contemporains en Autriche et dans le monde.
Bien que leurs méthodes aient souvent été critiquées pour leur violence et leur vulgarité, les actionnistes ont réussi à créer un mouvement artistique puissant qui a repoussé les limites de la création et de l'expression artistique.
La stratégie de déception et de provocation utilisée avait pour but de remettre en question les normes et de susciter une réflexion sur les structures de pouvoir et les systèmes de valeurs qui régissent notre société. Leurs actions visaient à briser les tabous et les préjugés qui limitent notre compréhension de la réalité et à ouvrir de nouvelles perspectives sur le monde.
Pour en savoir plus :
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5.
Valie Export
Tap and Touch Cinema (1968)
Valie Export est une artiste autrichienne née en 1940 à Linz, en Autriche. Elle est plasticienne, vidéaste et performeuse, considérée comme l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain en Autriche. Elle s’oppose au mouvement des actionnistes viennois pour ce qu’il est exclusivement composé d’hommes. Elle est particulièrement connue pour son travail dans les années 1960 et 1970, où elle a exploré des thèmes tels que la représentation du corps féminin, la sexualité et la critique de la société autrichienne conservatrice. Elle est notamment très connue pour une performance de 1969 à Munich : Genital Panic.
Pour en savoir plus sur Valie Export :
Tap and Touch Cinema est une performance plus ancienne, réalisée en 1968. Valie Export a créé une cabine miniature où les spectateurs, un par un, étaient invités à engager mains et avant bras. À l'intérieur de la cabine, en contact avec les mains des spectateurs : les seins dénudés de l'artiste. Un panneau indiquant "Tap and Touch", les spectateurs étaient invités, pour un temps chronométré, à s’emparer de la poitrine de l'artiste.
L'objectif de Valie Export était de perturber le public et de remettre en question les normes sociales et culturelles en matière de sexualité. Cette performance a été largement commentée dans les milieux artistiques de l'époque et a été considérée comme un exemple de l'utilisation de la performance artistique pour explorer les limites de l'art et de la société.
Pour en avoir plus sur la performance :
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6.
Robert Mapplethorpe
Man in Polyester Suit (1980)
Robert Mapplethorpe
Robert Mapplethorpe (1946-1989) est un photographe américain connu pour ses portraits en noir et blanc, ses nus masculins, ses compositions florales et ses images provocantes qui ont souvent suscité la controverse. Il est né à Floral Park, dans l'État de New York, et a étudié à la Pratt Institute de Brooklyn avant de s'installer à Manhattan en 1969.
Dans les années 1980, Mapplethorpe est devenu célèbre pour ses photographies de nus masculins, souvent érotiques et parfois explicites, ainsi que pour ses portraits de célébrités et d'artistes.
Pour en savoir plus :
Man in Polyester Suit, la photo ci-dessous, réalisée en 1980, est emblématique de l’œuvre de Mapplethorpe. Bien qu'exposée pendant presque toute une décennie sans heurts dans de multiples musées, Man in Polyester Suit est à l'origine d'une polémique nationale aux États-Unis à la fin des années 80.
En 1988, alors que Robert Mapplethorpe luttait contre le SIDA, l'Institut d'Art Contemporain de Philadelphie organisa une rétrospective de sa carrière. À cette occasion, Man in Polyester Suit y fut dénoncée comme étant l'exemple parfait d'un "art sale et dégénéré" par une partie du Congrès américain, tandis que nombreux conservateurs au Congrès s'érigent en "gardiens" de la morale américaine et partent en croisade contre les œuvres d'art dites "sales".
Mais la photo de Mapplethorpe, par ailleurs techniquement parfaite, a fini par vaincre les préjugés. Elle est désormais considérée comme une œuvre majeure de Robert Mapplethorpe, traitant aussi bien des problèmes de race que ceux de la sexualité.
En 2015, elle a été vendue 500 000 dollars dans une vente aux enchères de New York.
Dans un sublime noir et blanc, Robert Mapplethrope parvient à exposer là une incroyable densité lumineuse. Il joue sur le contraste du tissu brillant du costume trois pièces et la peau sombre du modèle.
Malgré les controverses suscitées par son travail en général, Mapplethorpe a finalement été reconnu pour sa contribution à la photographie et à l'art contemporain. Aujourd'hui, ses œuvres sont conservées dans de nombreux musées à travers le monde, notamment le Getty Museum à Los Angeles et le Metropolitan Museum of Art à New York. Au point que c’est aujourd’hui l’intensité de l’engouement pour Mapplethorpe qui peut interroger.
Pour mesurer la récupération snob autour de Mapplethorpe :
QUELQUES EXEMPLES CONTEMPORAINS
7.
Banksy
Dismaland (2015)
Banksy est un artiste d'art urbain, sans doute anglais d’origine, qui travaille sous pseudonyme. Son véritable nom et son identité exacte sont inconnus. Son œuvre est subversive et politique (mais là aussi, la récupération va bon train).
Pour en savoir plus :
En 2015, il a créé Dismaland, un parc d'attractions dystopique qui a défié les attentes du public en proposant une version sombre et satirique de Disneyland. Le parc a proposé des attractions comme une tour de guet surmontée d'un toboggan, un manège sur le thème des bateaux de migrants et une fontaine qui crache du pétrole.
L'œuvre a utilisé la déception pour susciter un débat sur des questions comme le capitalisme, la société de consommation et les injustices sociales.
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8.
Kara Walker
A Subtlety (2014)
Kara Walker est une artiste afro-américaine née en 1969. Aujourd’hui, elle occupe une place de premier plan aux États-Unis. Avec des œuvres provocantes et scandaleuses qui, dans le même
temps, présentent un grand raffinement technique et une esthétique plaisante, elle traite du racisme, du sexe, de la sexualité et de la violence – sans aucune considération pour le politiquement correct.
Pour en savoir plus :
Sa pièce de 2014 A Subtlety est une sculpture composée en sucre, gigantesque, en forme de femme noire, qui attire les spectateurs par son apparence sucrée, mais qui les confronte à des questions sur l'esclavage et l'exploitation.
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9.
Nina Katchadourian
Seat Assignement (2010)
Autoportraits de toilettes dans le style flamand
Nina Katchadourian est une artiste américaine née en 1968. Elle travaille la photographie, la sculpture, la vidéo et le son, souvent de manière ludique. Elle est surtout connue pour ses Autoportraits de toilettes dans le style flamand, une série d'autoportraits pris dans des toilettes d'avion.
Pour Seat Assignment en 2010, Katchadourian a créé une série de photographies en utilisant des objets trouvés dans les avions pour créer des compositions visuelles. Elle a utilisé des serviettes en papier, des oreillers et des couvertures pour créer des costumes et des scènes qui se fondent dans l'environnement de l'avion.
L'œuvre défie les attentes en utilisant des objets de la vie quotidienne pour créer des images poétiques et humoristiques.
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9.
Tom Friedman
Untitled (A Curse) - (1992)
Tom Friedman est un artiste américain né en 1965 et connu pour une approche conceptuelle et souvent humoristique de l'art. Depuis la fin des années 1980, il développe une approche singulière des matériaux. La confection d’objets saugrenus – de l’ogre de papier à la tour de polystyrène, en passant la savonnette avec spirale de poils pubiens – témoigne d’un grand raffinement dans le grotesque.
L'œuvre intitulée Untitled (A Curse) (Pedestal) de 1992 consiste en un bloc de bois vide (33 x 28 x 28 cm) et peint en blanc. Elle a été créée en 1990. Il s'agit d'un piédestal en bois vide, sans objet ni sculpture à exposer dessus.
Untitled - A Curse invite le spectateur à réfléchir sur la valeur et la signification de l'art et sur la manière dont les attentes et les conventions peuvent influencer notre perception de celui-ci.
SUPPLEMENT REFERENCES
11.
Musique
11a.
Noise Music et autres
Née du futurisme italien (début XXe siècle), la noise music est un genre musical qui a émergé dans les années 1980 et qui se caractérise par par l'assemblage de sons communément perçus comme désagréables ou douloureux, et prend à contre-pied les plus communes définitions de la musique, fondées sur sa dimension esthétique, pour s'intéresser à d'autres aspects de l'œuvre musicale : sa structure, son sens, son effet sur l'auditeur, ou les différentes caractéristiques du son.. Elle est souvent associée à une esthétique de la transgression et de l'anti-conformisme.
Dans la noise music, a été conçue dans la ferme intention de perturber les attentes du public en matière de structure musicale, de mélodie, de rythme et de timbre. Les artistes de la noise music jouent aussi avec les limites du bruit et du silence, créant des moments de tension et de libération.
Certaines figures importantes :
Merzbow
Merzbow (1956) est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita pour la plupart de ses enregistrements de musique bruitiste et expérimentale. Extrêmement prolifique, il a publié plus de 300 enregistrements depuis 1979. Il est l'une des figures majeures de la scène bruitiste japonaise.
Wolf Eyes
Wolf Eyes est un groupe de noise rock américain, originaire de Détroit, dans le Michigan. Il s'agissait au départ d'un projet solo de l'ancien membre de Nautical Almanac, Nate Young, rejoint par Aaron Dilloway en 1998, puis par John Olson en 2000.
Prurient
Prurient est le nom d'artiste du musicien Dominick Fernow. Il a publié ses enregistrements sur de nombreux labels indépendants tels que American Tapes, Hanson Records, RRRecords, Load Records, Troubleman Unlimited, Chrondritic Sound, ainsi que sur son propre label Hospital Productions (en). Prurient est devenu une référence de la scène bruitiste des années 2000. Dominick Fernow travaille essentiellement avec un microphone et un amplificateur.
Pharmakon
Pharmakon est le projet de musique expérimentale solo de Margaret Chardiet, basé à New York et formé en 2007. L'acte musical en direct de Pharmakon a été décrit comme conflictuel et concis, tentant de "franchir la frontière entre l'interprète et le public"
CCCC
C.C.C.C. (a.k.a. Cosmic Coincidence Control Center) est un groupe bruitiste japonais composé de Mayuko Hino and Hiroshi Hasegawa.
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11b.
Expérimental
Camae Ayewa (aka Moor Mother)
Camae Ayewa aka Moor Mother est une musicienne, poétesse, activiste et artiste visuelle de Philadelphia. Elle chante dans trois collectifs de performance : Irreversible Entanglements, MoorJewelry, et 700bliss.
BLACK ENCYCLOPEDIA OF THE AIR, enregistré à domicile en mars 2020, est l'œuvre commune de Moor Mother et du producteur et artiste sonore Olof Melander. Fruit de rythmes et d'idées tirés de Jazzcodes, L'album est un mélange de soul futuriste, d'anti-trip hop, de rap et d'autres matières noires.
SVDU
Le poète intergalactique Loucka Fiagan, né à Bruxelles, a grandi au Togo. L'ordinateur est son outil principal pour mélanger et remixer des sons, des images, des mots et des idées provenant de sources d'inspiration très diverses au sein de son univers rythmique et poétique propre.
HPrizm
King Britt
King Britt, né en 1968, est un éducateur, DJ et producteur de disques américain de Philadelphie
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12.
Vidéo
Christian Marclay
né en 1955 à San Rafael en Californie, Christian Marclay est un musicien, compositeur et artiste plasticien.. son travail explore les connexions entre son, photographie, vidéo et film
Video Quartet (2002) est une œuvre dans laquelle Marclay projette de façon synchronisée quatre images de grande taille, positionnées l'une à côté de l'autre. Ce kaléidoscope visuel et sonore est composé d'environ 700 extraits de films.
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13.
Cinéma
Andy Warhol "Empire" (1964)
Empire est un film muet N&B de 8 heures et 5 minutes composé d’un seul plan, fixe, qui montre l'Empire State Building de New York. Qui le montre plus ou moins car il est tourné de nuit. L'œuvre est considérée comme une exploration de la durée et de la perception, mais elle peut également être interprétée comme une provocation et une déception pour les spectateurs qui s'attendaient à une expérience de cinéma peut-être supportable.
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BON TRAVAIL !
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